사랑의 마음으로 부르는 망향가

 

​미국의 뉴욕 업스테이트 산자락에서 자연의 내음이 물씬 나는 그곳을 사랑마운틴이라 이름 짓고 그림을 그리는 조성모가 14년 만에 고국에서 귀국전을 갖는다. 서울의 인사동에 위치한 토포하우스 갤러리에서 열리는 이번 기획전은 보름달과 나무 등 조성모가 지난 30년간 미국에 살면서 즐겨 그린 그림의 소재들이 주를 이룬다. 조성모는 유년시절부터 중학교 때까지 서예를 배워 서예대회에서 상을 많이 탔는데, 그의 그림에는 이때의 서예 수련이 짙게 반영돼 있다. 휘영청 밝은 보름달의 내부나 캔버스의 여백에는 밝은 톤의 색으로 'LOVE'란 단어를 붓글씨붓, 유화붓, 몽당붓 등 다양한 도구를 사용하여 썼는데, 이때 힘의 강약에 따른 붓의 조절이나 운필은 과거 서예 수련의 경험에 뿌리를 두고 있다.

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수구초심, 머나먼 타국에서 고향을 그리는 것과 같이 조성모의 애틋하고도 절절한 사랑의 마음이 망향가가 돼 캔버스마다 알알이 배어 있어 그 고즈녁한 정취가 보는 사람의 마음을 사로잡는다.
 
중대 회화과 출신인 조성모는 원래 극사실을 포함 사실주의 화풍의 그림에 일가견이 있다. 급속한 산업문명의 현장인 서울의 모습을 담은 조성모의 90년대 작품인 <허상 + 문명의 시그널(Signal)> 연작은 초현실주의풍이 두드러진 스타일이다. 도시의 황량하면서도 쓸쓸한 정취를 거리 풍경을 통해 담아내고자 했다. 이 연작은 인간의 새로움에 대한 무한한 욕구는 결국 허상에 불과하다며 자연과 도시문명 사이의 갈등과 그로 인한 도시문명의 양면성을 담아낸 대표작이었다. 90년대 초반에 나는 이 연작들을 나우갤리리에서 연 그의 개인전에서 눈여겨보았고, 그런 인연으로 91년도에 기획한 [에꼴드서울]전에 초대한 적이 있다.
 
그 후 조성모는 1992년 창작에 대한 큰 뜻을 품고 미국 이민을 결심, 뉴욕에 둥지를 틀며 가장으로서 지난한 이민 생활을 이어가며, 프랫 대학원을 졸업하고 머시(Mercy College)의 겸임교수로 후학도 양성했다.

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원래 조성모는 한국에서 문명의 상징을 대규모의 빌딩 숲과 도로로 이미지화한 <허상 + 문명의 시그널(Signal)> 연작을 통해 작가로 알려지기 시작했다. 그런 그가 도미 후 그간 원근법적으로 그리던 도로를 평면화해 2차원적으로 표현하기 시작했으며, 화면분할을 통해 서너 개의 각기 다른 양상의 문명의 양태와 자연의 이미지들을 담아내기 시작했다. 그것은 좋든 싫든 문명과 함께 해야 하는 인간의 운명을 긍정적으로 바라본 조성모의 문명관을 말해준다. 그의 그림은 한 사람의 인생을 통한 다양한 경험들이 작품 속에 녹아 작품을 보는 관객들이 공감을 할 수 있도록 높은 설득력을 지닌다. 조성모의 독자적인 화면분할 방법론은 마치 복수의 칸막이들로 이루어진 민화의 구조처럼 하나의 화면을 여러 개의 서로 다른 단면들로 구성함으로써, 한 캔버스를 한 사람의 삶처럼 표현하는 화면 분할의 독창적인 스타일을 보여준다. 이것이 조성모를 ‘길의 작가’로 부르게 된 이유이다.

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삶의 새로운 환경의 변화는 문명과 자연환경을 도시와 나무로 환치시켰으며 마음에 이는 고국의 그리움이 달의 소재를 불러오게 되었고, 서브프라임 이후의 삶이 위기를 기회로 만들었다. 사랑마운틴은 그런 노력의 결실이거니와 원하는 일이 안정적인 상태로 접어들자 본격적으로 화업에 매진, 현재 보는 것처럼 '사랑의 길'을 주제로 한 작품을 통해 자연 속에 존재하는 사물들이 상호 간의 공존과 조화를 이루는 화풍을 일구어낸 것이다.
 
뉴욕의 한적한 산자락에 수천 평에 이르는 땅을 개간하여 '사랑마운틴'이라 이름을 붙힌 조성모는 온갖 정성을 다해 그곳을 낙원처럼 만들었다. 철따라 꽃이 피고 새가 지저귀는 그곳은 이제 많은 사람들이 찾는 명소가 되었다.  좀 더 자연과 가까이하고자 하는 열망이 그의 대표작 중 하나인 오브제 설치작업 <지구의 마지막 연필>을 탄생시켰다. 이 작품의 탄생은 시간의 흐름과 문명의 발전으로 부지불식 간에 가까이 존재했던 그 무엇들과의 헤어짐, 상실, 사라짐에 대한 인간의 감정을 환기시킨다. 그럼으로써 인간은 살아있는 동안 최선을 다해 사랑을 나눔으로써 돌이킬 수 없는 회한을 줄이자는 교훈을 작품을 통해 얻게 된다.

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이제 노년에 접어든 조성모는 인생을 관조하면서 바라던 작품제작에 더 깊은 열과 성을 다해 빠져드는 기색이 역력하다. 오랜 기간 그의 작품의 주요 주제였던 '문명과 자연', 그리고 '인간'은 그 연결고리에서 이 둘의 균형을 유지해야 하는 지혜를 드러낸다. 또한 <카인의 벽> 작품이 의미하듯, 회한을 불러오지 않을 귀한 순간들을 환기시킴으로써 사랑을 잊지 말자는 의미에서 테마도 '사랑(LOVE)'으로 정했다. 조성모는 오늘도 유년시절의 수련으로 몸에 체화된 서예풍의 능숙한 붓질로 'LOVE'를 근간으로 한 다양한 형태의 문자들을 캔버스의 여백에 써넣는 작업에 몰입하고 있다.
 
조성모의 그림에는 수구초심(首丘初心), 즉 고향을 그리는 망향의 정서처럼 멈춤이 없는 문명의 질주 속에 인간의 모태와 같은 자연으로의 회귀정신이 바탕에 깔려있다. 길게 늘어선 나무의 뒤에 둥두렷이 떠 있는 보름달과 텅 빈 하늘에도 기존의 어떤 질서에서 가열차게 변하는 문명과 국제 정치적 혼란과 전쟁 등이 현존하는 현실이 투영되어 있다. 그의 화면에 는 'LOVE'를 비롯한 사랑 등 단어들이 작거나 큰 다양한 형태로 가득 적혀있는데, 반복해서 되풀이되는 이 ‘쓰기’의 행위는 일종의 수행으로써 세계평화를 염원하는 작가 조성모의 간절한 바람이 담겨있다. 그것은 순간순간 잊혀지고 무뎌진 머나먼 '사랑'의 마음이 잠자고 있을 고향을 향해 끊임없이 부르는 작가의 외침처럼 보인다.

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윤진섭 (미술평론가)

 

A Nostalgic Song Sung with a Heart of Love

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In the foothill of Upstate New York, USA, Cho, Sungmo—who named that place overflowing with the fragrance of nature "Sarang Mountain" and paints there—holds a homecoming exhibition in his home country for the first time in 14 years. This special exhibition, held at Topohaus Gallery located in Insadong, Seoul, is mostly composed of subjects such as the full moon and trees that Cho, Sungmo enjoyed painting while living in the United States for the past 30 years. Cho, Sungmo learned calligraphy from his childhood until middle school and won many awards in calligraphy contests, and his early calligraphy practice is deeply reflected in his paintings. Inside the brightly shining full moon or in the empty spaces of the canvas, he wrote the word 'LOVE' in bright tones using various tools such as calligraphy brushes, oil brushes, and worn-out stubby brushes; the brush control or stroke movements according to the dynamics of force during this process are rooted in his past experience of calligraphy practice.

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Like nostalgic feelings for one's hometown from a far-away foreign land (sugu chosim), Cho, Sungmo’s affectionate and heartfelt love turns into a nostalgic song that permeates every grain of the canvas, capturing the hearts of viewers with its serene atmosphere.

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Cho, Sungmo, who graduated from the Department of Painting at Chung-Ang University, originally has a distinct expertise in realism style paintings, including hyperrealism. Cho, Sungmo's 1990s series <Illusion + Civilization Signal of>, which captured the scene of Seoul's rapid industrial civilization, is a style where surrealism stands out. Through street scenes, he sought to capture the desolate yet lonely mood of the city. This series was a representative work that contained the conflict between nature and urban civilization, as well as the two-sided nature of urban civilization resulting from it, claiming that human infinite desire for novelty is merely an illusion after all. In the early 90s, I paid close attention to these series at his solo exhibition held at Now Gallery, and through that connection, I invited him to the [École de Seoul] exhibition that I curated in 1991.

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Afterward, Cho, Sungmo embraced a grand ambition for creation and decided to immigrate to the United States in 1992, settling down in New York. While continuing his challenging immigrant life as the head of a household, he graduated from Pratt Institute Graduate School and nurtured younger students as an adjunct professor at Mercy College.

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Originally, Cho, Sungmo began to be known as an artist in Korea through his <Illusion + Civilization Signal of> series, which visualised the symbols of civilization through massive forests of buildings and roads. After moving to the U.S., he began to flatten the roads that he used to paint in perspective and express them in two dimensions, and through screen division, he began to capture three or four different aspects of civilization and images of nature. This speaks of Cho, Sungmo’s view on civilization, which positively looks upon the human fate of having to exist with civilization whether one likes it or not. His paintings possess high persuasive power that allows viewers to resonate with the artwork as various experiences throughout one's life are melted into the works. Cho, Sungmo’s independent methodology of screen division demonstrates an original style of screen division that expresses a canvas like a single person's life by constructing one screen with several different cross-sections, much like the structure of folk paintings (minhwa) consisting of multiple compartments. This is the reason why Cho, Sungmo came to be called the 'Artist of Roads.'

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Changes in his new living environment substituted civilization and the natural environment with cities and trees, the longing for his home country lingering in his heart brought forth the subject of the moon, and life after the subprime crisis turned crisis into opportunity. Love Mountain is the fruit of such efforts, and as the work he desired entered a stable phase, he devoted himself in earnest to his art career, cultivating a painting style that achieves mutual coexistence and harmony among objects existing in nature through works themed 'Path of Love,' as seen today.

 

Cho, Sungmo, who reclaimed several thousand acres of land at the quiet mountain foot of New York and named it 'Sarang Mountain,' put all his heart into making that place like a paradise. That place, where flowers bloom season by season and birds sing, has now become a famous spot visited by many people. The desire to get closer to nature gave birth to one of his representative works, the object installation work <The Earth's Last Pencil>. The creation of this work evokes human emotions regarding parting, loss, and disappearance of things that once existed close to us imperceptibly due to the flow of time and the development of civilization. By doing so, humans gain a lesson through the work to reduce irreversible regret by doing their best to share love while alive.

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Now entering old age, Cho, Sungmo shows clear signs of immersing himself with deeper passion and sincerity into creating the works he had wished for while contemplating life. 'Civilization and Nature' and 'Humanity,' which have been the main themes of his works for a long time, reveal the wisdom of having to maintain a balance between these two in that connecting link. Also, as indicated by the work <Cain's Wall>, he chose 'LOVE' as the theme in the sense of not forgetting love by evoking precious moments that will not bring regret. Today as well, Cho, Sungmo is immersed in the work of writing various forms of words based on 'LOVE' in the empty spaces of the canvas with skillful brushwork of the calligraphic style embodied in his person from his childhood practice.

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In Cho, Sungmo’s paintings, behind the nostalgic sentiment of longing for one's hometown (sugu chosim), lies a spirit of returning to nature, which is like the mother's womb of humanity amidst the unstoppable rush of civilization. In the full moon floating roundly behind the long-lined trees and in the empty sky, the current reality is reflected—where civilization rapidly changing from existing orders, international political chaos, and wars exist. On his canvas, words such as 'LOVE' and affection are written full of small and large various forms, and this act of 'writing' repeated over and over is a kind of ascetic practice, embodying artist Cho, Sungmo’s earnest wish for world peace. It looks like the artist's ceaseless shout toward his hometown, where the long-forgotten and dulled heart of 'love' might be asleep.

 

Yoon, Jin-sup (Art Critic)

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